Jeff Nichols avait fait belle impression avec Shotgun Stories où Michael Shannon se posait comme un acteur définitivement à suivre dans le paysage cinématographique américain. Il était donc légitime d’attendre avec impatience son nouveau projet. Une solide réputation acquise au Festival de Cannes 2011, une équipe de comédiens qui va faire le bonheur, c’est sûr, d’une tripotée de cinéastes (Michael Shannon, toujours lui, et Jessica Chastain, recommandée au jeune réalisateur par Terrence Malick himself à la suite de The Tree Of Life, qui va devenir, sans forcer, une très grande actrice hollywoodienne) sont des perspectives alléchantes pour le spectateur.

Steve McQueen le réalisateur s’était fait un nom dès son premier long, Hunger, récompensé à Cannes par la Caméra d’or. Film coup de poing autant sur le fond que dans une forme brute et sensitive, parcourue de scènes dispositifs comme autant d’échos aux revendications et au martyr de son héros Bobby Sands, leader d’une grève de la fin dans une Irlande déchirée. Le déchirement intérieur est le thème parcourant aussi Shame, où l’on retrouve son acteur alter ego, Michael Fassbender. Hunger fût un premier film remarquable, mais pêchait peut-être justement par des parti-pris si tranchés qu’ils sonnaient parfois comme des gimmicks un peu forcés. Un deuxième film est souvent l’occasion de polir les défauts du premier essai, et Shame réussit avec brio cette transformation formelle. Il est alors vraiment paradoxal et décevant de constater à quel point le récit d’un film qui ne parle que de ça manque à ce point de corps [...]

Après les purges françaises récemment sortis sur les écrans, on ne donnait guère de chances à un nouveau film français malgré la renommé de son réalisateur. Polisse, La Guerre est déclarée, Intouchables, pour ne citer qu’elles, étaient des productions qui se voudraient à la fois iconoclastes et populaires. Tout faux, elles ne se ressemblent en rien à ce que l’on attend du cinéma. Heureusement, Mathieu Kassovitz est arrivé et a prouvé à toute l’industrie nationale qu’en avoir dans la culotte ne tient pas de l’opportunisme déguisé en bonne conscience sociétale mais bel et bien d’une rage honnête, viscérale et revendicative. Il est bon également de le retrouver sur un projet qu’il maîtrise totalement après les désastres que sont Gothika et Babylon AD (voire Les Rivières Pourpres ?).

Ps : ceci n’est pas une critique mais un défouloir.

Décidément, le cinéma français sait bien choisir ses hypes en ce moment. Après le calamiteux La Guerre est déclarée, voici le nouveau film néo-réaliste à la française : Polisse. Prix du Jury au Festival de Cannes, review assez sensationnelle, on se demande bien ce que certaines personnes soi-disant compétentes cinématographiquement ont dans les yeux – la réponse est évidente mais elle ne sera pas divulguée ici par souci de politesse.

Encore un retour du festival de Cannes 2011, et celui-ci intriguait tant les premières images étaient déconcertantes et le sujet de départ politiquement assez incorrect : le questionnement d’une mère sur son fils dont le comportement est plus que suspect envers elle mais également envers ses petits camarades de classe.

Depuis le 20 septembre c’est la rentrée télé aux USA, une période où des dizaines de nouvelles séries vont au casse-pipes, un embouteillage de shows avec mort au tournant inévitable pour une bonne portion. Car c’est le royaume de la concurrence des audiences, et chaque année de nombreuses séries n’auront même pas le droit à une première saison entière ! Grâce à mon Oncle d’Amérique (Burt, super sympa), je peux suivre quasiment en temps réel cette actualité surchargé et jouer au chercheur d’or. Mais comme au temps du Far West, et même si la production américaine est encore la meilleure au monde, il y a plus de mauvaise terre que de métal précieux. Certaines séries font l’évènement bien avant le mois de septembre, attendues comme des blockbusters ciné pendant des mois, voire des années. Terra Nova est une série de SF mise en chantier début 2010. [...]

La voici la hype du moment, en mode retour positif du Festival de Cannes où il a été ovationné, en mode honneurs répétées du Grand Journal du père Denisot qui a invité l’équipe plusieurs fois pour une bonne promotion, en mode compétition officielle pour les Oscars du meilleur film étranger et en mode revue de presse impressionnante qui y voit un grand coup. Valérie Donzelli avait déclaré la guerre ; on a bien l’impression qu’elle l’a gagnée à plate couture et sans discussion possible.

La Conquête a été l’un des buzz les plus importants de ce début d’année cinématographique 2011. Une plongée dans les arcanes du pouvoir, des acteurs investis et un réalisateur compétent en auraient été les atouts primordiaux. Ajoutons à cela une campagne médiatique réglée comme du papier à musique, des mystères qui se lèvent peu à peu et une projection au Festival de Cannes pour l’avant-première comme vecteurs d’envies et de fantasmes. Hélas, si ces qualités sont bien belles sur le papier, elles s’avèrent être un véritable pétard mouillé sur un écran de cinéma.

Le cinéma asiatique est en perte de vitesse depuis l’âge d’or du cinéma hongkongais des années 90, suivi d’une belle période pour la japanimation, elle aussi tarie. Désormais, c’est la Corée du Sud qui semble faire cavalier seul (selon la presse, et les sorties), avec ses films léchés sur la pourriture de l’âme humaine, ces polars trop hardcore qui depuis l’avènement un peu exagéré de Park Chan Wook (Old Boy & co) séduisent des générations de jeunes en manque de thrillers gorasses. Mais l’heure est grave. A force de se taper les mêmes récits de vengeance à la violence complaisante, on va finir par croire que tous les coréens sont stupides et sadiques. Comme il faut éviter toute conclusion hâtive, je vais régulièrement tenter de me convaincre du contraire. Sauf qu’avec J’ai rencontré le diable, Kim Jee-Woon prend la relève de Park Chan Wook dans la surenchère graphique un peu vaine [...]

L’attente a pris fin. Il est difficile de parler du cinéma de Terrence Malick, qui se ressent plus qu’il ne s’explique ou s’intellectualise. Ce sentiment est d’autant plus vrai avec The Tree of Life, sa dernière œuvre qui radicalise ses parti-pris de mise en scène jusqu’à un absolu qui divisera forcément les spectateurs. Malick possède une manière de conter très personnelle, fragmentée, imagée, symbolique, lyrique, presque à l’inverse du courant général d’un cinéma du 21ème siècle dominé par le langage, les SFX, et un certain ascétisme formel. Avec The Tree of life, le cinéaste mythifié, à l’aura d’un Stanley Kubrick, se lance dans une évocation extrêmement intime que l’on devine très personnelle, surtout quand on sait que ce projet est mûri depuis ses débuts au cinéma dans les années 70. Le mariage avec son style emphatique engendre une expérience tout à fait particulière, qui met plus que jamais en avant la composante essentielle de l’art cinématographique : la mise en scène [...]