On avait laissé William Friedkin avec un Bug incandescent qui rappelait à chacun, et alors que personne ne l’attendait encore à ce niveau, qu’il était, et est encore, un immense réalisateur américain contemporain. Dès lors, ce n’est pas peu dire que son Killer Joe était attendu avec impatience et excitation, surtout avec un tel casting et une réputation plutôt flatteuse acquise au dernier festival de Deauville.

Il est quand même assez rare de se retrouver devant un film bulgare en dehors des rétrospectives généralement dans les salles d’Arts et Essais ou des festivals internationaux de cinéma. Pourtant, quand un film de cette nationalité pointe le bout de son nez, on aurait tort de ne pas être curieux. Grâce à une démarche d’ouverture de la part du spectateur, Avé pourrait donc être à voir rien que pour son exotisme. Mais il ne faut pas, non plus, rester dans des considérations archétypales quant à l’origine du métrage. Cela ne serait pas rendre hommage à la beauté de ce film original.

Le Retour avait impressionné en 2003 avec sa flopée de critiques élogieuses et son Lion d’Or à la Mostra de Venise 2003. Que faire après un tel succès journalistique et une célébration du monde artistique ? C’est la question qu’a dû se poser le réalisateur russe Andrei Zviaguintsev. En 2008, il avait tenté avec Le Bannissement de retrouver les dithyrambes mais sans grand enthousiasme. Elena se veut être une volonté de retrouver le succès.

Lucas Belvaux est un réalisateur francophone qui compte. Ses films font preuve de discours qui changent dans le paysage cinématographique. En convoquant avec puissance le genre, comédie, drame ou policier, ils osent une plongée sans concession dans la condition humaine. On se souvient de sa célèbre trilogie (Après la vie, Un Couple épatant, Cavale) ou de Rapt, déjà avec Yvan Attal. 38 témoins qui renoue la collaboration entre l’acteur et le cinéaste fait partie intégrante de cette identité.

Jason Reitman divise. Pour certains, il est l’un des nouveaux réalisateurs sur qui il faut compter dans le paysage cinématographique américain contemporain. En effet, il peut développer une identité prononcée et cohérente au fur et à mesure de ses livraisons. Pour d’autres, il fait preuve d’un cynisme malveillant et hypocrite où l’attitude réactionnaire est conjuguée à la méchanceté gratuite. Young Adult n’arrivera pas à départager les deux clans car il engage une continuité, pour le plaisir. Ou pour le pire.

Voici le phénomène de ce début d’année. The Hunger Games détruit tout sur son passage avec un box office exceptionnel (troisième meilleur démarrage de tous les temps aux Etats-Unis), une jeune actrice (Jennifer Lawrence) qui arrive dans la liste des talents hollywoodiens à suivre et un buzz savamment entretenu grâce à la participation d’Arcade Fire dans la bande originale. Tout cela fait-il néanmoins un bon film ? La réponse est non, même s’il faut reconnaître à ces Hunger Games des intérêts non négligeables.

Le cinéma français commence sérieusement à se pencher sur le genre de la biographie filmée. De nombreux films sont sortis récemment sur les écrans. C’était parfois même un peu trop quand des projets similaires se sont concurrencés à peu de temps d’intervalle (les deux Coco Chanel). Cloclo est clairement dans cette lignée. Mais la curiosité était palpable, non pas pour la personne évoquée, mais pour le réalisateur Florent Emilio Siri que l’on n’attendait pas à la tête d’un tel film.

Il faut toujours se méfier des films qui arrivent de Scandinavie. Non pas qu’ils soient dangereux mais bien parce qu’il étonnent. Il y a bien eu, par le passé, des cinéastes respectés qui offrent des métrages défiant les lois du cinéma (Ingmar Bergman pour ne citer que le plus célèbre ou Lars Von Trier depuis une vingtaine d’années). Aujourd’hui, il faut prendre en compte de nouvelles têtes. On connaît Thomas Vinderberg (le choc Festen), Lukas Moodyson (le sublime Fucking Amal) ou Nicolas Winding Refn. Il faudra ajouter Thomas Alfredson (Morse, le meilleur film de vampires depuis longtemps) et Joachim Trier. Oslo 31 août, sa deuxième livraison, se pose comme une claque absolue et se place directement comme un candidat sérieux au titre de film de l’année 2012.

Le cinéma belge est en pleine effervescence. Autrefois cantonné au cinéma d’auteur (les frères Dardenne, Lucas Belvaux) et à quelques objets incongrus (C’est arrivé près de chez vous) ou confidentiels (Jan Bucquoy), voici que se profilent avec succès toutes sortes de cinématographies. Récemment, des films comme La Merditude des choses ou des réalisateurs comme Bouli Lanners ont su marquer les esprits. Bullhead fait, bien évidemment, partie de cette nouvelle voie. Repéré dans différents festivals, le film vaut indéniablement un coup d’œil et mérite la reconnaissance publique.

Tony Kaye suit une trajectoire inhabituelle. En 1999, American History X avait surpris tout le monde par la dignité de son message et la puissance de son interprétation. Le film avait raflé quelques récompenses marquantes (nomination à l’Oscar du meilleur acteur pour Edward Norton, prix de l’Education Nationale). On aurait pu s’attendre par la suite à ce que le cinéaste multiplie les projets de grande ampleur, vampirise les festivals et truste les écrans. Ce ne fut pas le cas. Tony Kaye a préféré s’attacher à de petits projets tellement confidentiels qu’ils ne sont même pas arrivés en France (Penitentiary, Lobby Lobster, Lake Of Fire, Snowblind). 13 ans plus tard, en voici enfin un, hélas sortant dans le circuit confidentiel : Detachment, avec une star, Adrian Brody, et un sujet, l’enseignement.