Il est fort probable que vous ne vous en soyez pas aperçu mais Dieudonné a sorti son premier film en tant que réalisateur le 21 mars dernier. Disponible sur son site en streaming ou en DVD, ce long métrage au budget dérisoire (mais c’est un peu comme la Shoah, ça n’excuse pas tout…

Voici le phénomène de ce début d’année. The Hunger Games détruit tout sur son passage avec un box office exceptionnel (troisième meilleur démarrage de tous les temps aux Etats-Unis), une jeune actrice (Jennifer Lawrence) qui arrive dans la liste des talents hollywoodiens à suivre et un buzz savamment entretenu grâce à la participation d’Arcade Fire dans la bande originale. Tout cela fait-il néanmoins un bon film ? La réponse est non, même s’il faut reconnaître à ces Hunger Games des intérêts non négligeables.

Le cinéma français commence sérieusement à se pencher sur le genre de la biographie filmée. De nombreux films sont sortis récemment sur les écrans. C’était parfois même un peu trop quand des projets similaires se sont concurrencés à peu de temps d’intervalle (les deux Coco Chanel). Cloclo est clairement dans cette lignée. Mais la curiosité était palpable, non pas pour la personne évoquée, mais pour le réalisateur Florent Emilio Siri que l’on n’attendait pas à la tête d’un tel film.

Il faut toujours se méfier des films qui arrivent de Scandinavie. Non pas qu’ils soient dangereux mais bien parce qu’il étonnent. Il y a bien eu, par le passé, des cinéastes respectés qui offrent des métrages défiant les lois du cinéma (Ingmar Bergman pour ne citer que le plus célèbre ou Lars Von Trier depuis une vingtaine d’années). Aujourd’hui, il faut prendre en compte de nouvelles têtes. On connaît Thomas Vinderberg (le choc Festen), Lukas Moodyson (le sublime Fucking Amal) ou Nicolas Winding Refn. Il faudra ajouter Thomas Alfredson (Morse, le meilleur film de vampires depuis longtemps) et Joachim Trier. Oslo 31 août, sa deuxième livraison, se pose comme une claque absolue et se place directement comme un candidat sérieux au titre de film de l’année 2012.

Le cinéma belge est en pleine effervescence. Autrefois cantonné au cinéma d’auteur (les frères Dardenne, Lucas Belvaux) et à quelques objets incongrus (C’est arrivé près de chez vous) ou confidentiels (Jan Bucquoy), voici que se profilent avec succès toutes sortes de cinématographies. Récemment, des films comme La Merditude des choses ou des réalisateurs comme Bouli Lanners ont su marquer les esprits. Bullhead fait, bien évidemment, partie de cette nouvelle voie. Repéré dans différents festivals, le film vaut indéniablement un coup d’œil et mérite la reconnaissance publique.

Il était temps. Nous voilà bien avancé dans le premier trimestre de l’année et franchement rien de marquant n’a envahi les salles depuis le jour de l’An (ne croyez pas la hype autour de trucs comme Take Shelter ^^). Certes il me reste à voir le Spielberg, qui je le prédis m’enchantera au moins par sa mise en scène. Mais l’uppercut, le vrai, c’est le retour au survival pur et dur que nous propose Joe Carnahan avec The Grey (le Territoire des loups, traduction un peu terre à terre) [...]

Il arrive que de petites productions venant de nulle part arrivent à sortir du marasme ambiant par une simplicité à tous les égards. C’est le cas de ce Tucker And Dale Vs Evil (on préférera le titre anglais tant la traduction française frôle la débilité), film venant du Canada avec des acteurs de seconde zone mais à l’état d’esprit irréprochable. Ou comment deux rednecks (les personnages du titre) en vacances dans les Appalaches pour retaper leur cabane en arrivent à commettre un carnage sans qu’ils en soient les instigateurs principaux.

Le courant du found footage movie a été initié bien en amont de sa mode récente, par l’immense coup marketing Blair Witch Project. Depuis quelques années son retour est patent, mais sporadique, à la fois car la sécheresse de son concept l’enferme dans des contraintes qui empêchent le renouvellement, mais aussi parce que le public s’habitue rapidement aux nouveaux régimes d’images. La valeur ajoutée crédibilité étant l’atout majeur de ce type de film. Or au-delà de la nouveauté, le spectateur a vite fait de s’habituer à un procédé qui tente pourtant désespérément de s’imposer en genre, alors qu’il n’est qu’une idée de petit malin sans possibilité d’évolution et donc sans avenir à long terme. Ou pas ? [...]

Dorénavant, Steven Spielberg est un stakhanoviste. Entre Tintin et un Lincoln déjà en boîte, le cinéaste américain sort sur les écrans Cheval de guerre dont les premières impressions ne sont pas forcément excitantes. Le film fait, en effet, pale figure entre deux projets monstrueux. Tintin a permis au réalisateur de se frotter à un matériau nouveau : la motion capture. Quant à sa biographie du célèbre président américain, c’est un projet qu’il porte depuis longtemps. Cheval de guerre apparaît alors comme une œuvre de commande, basique et sans grand intérêt. Pourtant, ce film va déjouer nos attentes et va se révéler être majeur dans la filmographie du cinéaste.

En 2008, Tomas Alfredson avait impressionné avec Morse, sans doute le meilleur film de vampires depuis vingt ans. Un film pudique, intelligent et consciencieux qui mettait en avant un réalisateur auparavant cantonné à des productions TV ou locales. C’est peu dire que l’on attendait avec impatience sa prochaine livraison tant il aurait été décevant de ne pas retourner dans l’univers du réalisateur suédois. La Taupe arrive donc à point nommé avec sa revue de presse impressionnante, son casting quatre étoiles et son matériau solide.